为什么艺术作品可以卖出高价？为什么艺术家会受到尊崇？理由很简单，因为伟大的艺术是超越领域的并且会引起思想革命的。
展期：2017年12月16日－2018年1月15日地点：美仑美术馆（长沙）
“李路明：出版·时间＆方力钧手稿2012-2017双个展”在美仑美术馆开幕，展出李路明30多年的出版历程文献及新作近20件，以及方力钧2012-2017年的手稿40余件作品。李路明的艺术实践领域横跨当代艺术出版与艺术创作两个领域。他创办了《画家》《当代艺术》等刊物，推出了《实验艺术丛书》与一系列有关中国当代艺术史类专著等重要出版物，从上世纪80年代中期至今对中国当代艺术都有着持续而深刻的影响。本次李路明的个展，以他曾经出版的书刊、书刊部分内容影印图、办刊过程中与朋友同事们的合影照片等材料为展品，梳理了李路明的个人出版经历，着重在时间与类别上交叉呈现了他与他的朋友、同事们共同完成的当代艺术出版项目。作为中国当代艺术界重量级的人物，方力钧已在东西方各个重要美术馆举办过40余次个展，此次个展展出的作品中，方力钧把一个个朋友搬到画布、纸上，朋友们的五官轮廓清晰，每个人物都有着鲜明的特征，不和周围的人物相混合。图像中的人物既相互凝视，又各自有独立的思考，但又都有着现实的生存状貌，或激愤或戏拟，或顽皮，或冷寂，或深沉，倒着的、立着的、斜着的，生趣盎然，趣味无穷。
展期：2017年12月16日－2018年1月15日地点：美仑美术馆（长沙）
展览《坏的又一天》聚焦三位逆境中成长的80后艺术家——姚益青、张宇飞和刘政昕。这三位艺术家的共同之处是，他们皆以架上绘画这一相对经典的媒介作为首要创作手段，并基于各自亚文化趣味、后传统影响、时代综合审美背景，呈现了一个相互独立又声气相通的80后艺术家的切片。三位艺术家面对当下的艺术困境，运用各自擅长的语言结合长期关切的议题，谱写了一出层次分明、情境纠结的混声三部曲。姚益青于1985年出生于湖南，在他的布面油画中，多是以稀薄的色彩涂抹自由的笔触，颜色对比强烈，时常呈现大块拼盘，在极度趋向内心原初动力的同时，又不断反应出理性分析的效果——如一个个半具象的几何形状，搭配传统的光影技法，让观者在深入观察后拒绝将其归纳为“坏画”一波，但在绘画领域又找不到合理的罗列方法，这种令人焦灼的悬置，恰如其分地体现了艺术家创作中的另一个纬度，即与艺术史保持距离，只与创作者私人气息相关的独特的身体性。张宇飞自川美毕业以来，就长期工作和生活于北京，他的作品极早在同学中脱颖而出，除了借用西方现代艺术获得形式上的突破，更是将观念摄影和绘画组合在一起，通过描绘绽放的花朵、人类牙齿局部的特写、被安装在建筑角落的摄像头以及葱郁的植物等看似叙事狭小实则贴近生活的场景与片段，宣告了八十年代中期出生的艺术家区别于老一辈艺术家充满意识斗争和阶级矛盾的宏大叙事、拥抱更为私人化体验和观念性抒情的新型集体形态。刘政昕近几年的绘画作品中已经逐步形成了颇具个人风格的意象，区别于年轻一代更为关注的城市风景，诸如山峦、松树、悬崖等自然景观是他的重点表现对象。艺术家将这种题材选择归结为对物体质感的迷恋，他通过这种对质感的刻画方式传达独特的私人情感，画面通常以较为写实的绘画办法来进行创作。
展期：2017年12月16日－2018年3月4日地点：亚洲艺术中心（北京）
12月16日，亚洲艺术中心展出“计白守黑——杨识宏意识流系列近作展”，展览集中展出艺术家杨识宏近年来创作的“意识流”系列作品二十余件，呈现了一个“更强调中国传统绘画的’骨法’和’气韵’，画面中也呈现出许多留白之地，颜料之挥洒亦如狂草之舞动”的意识流艺术世界。杨识宏的艺术创作涵盖摄影、版画、素描、水墨、陶瓷、绘画等诸多领域。其对“生命意义的探讨”是创作思考的主轴。他的艺术经历了一个从具象到抽象的发展历史：从最初对自我“存在”的反思；到“都市文化”的批判；及80年代旅美后涉及“后现代的浪漫与象征主义”；至90年代起开启以“植物美学”为抽象绘画创作风格；2000年以后则开始从事内在世界的精神性探讨。自2007年以来杨识宏开始创作“意识流”系列作品，杨识宏认为他早期的水墨创作深受乔伊斯的“意识流文学”写作的影响，观念的表达不是片断的衔接，而是一种连续不断的流程。他自称起源于书法的观念与实验，作品展现东方绘画的含蓄与诗意，而他对于中国书法的理解亦转化为抽象艺术的用笔源泉，其创作体现了一种东方式的深厚内蕴与精神平衡。而近期创作“意识流系列”，更强调中国传统绘画的“骨法”和“气韵”，画面中也呈现出许多留白之地，颜料之挥洒亦如狂草之舞动。诚如艺术评论家殷双喜所言：“其作品对中国古典绘画语言进行创造性转换的表达，这种表达方式在形式上体现为抽象性绘画中舒卷自如的书法性用笔、黑白光影和色彩氛围，其实质是艺术语言与艺术家追求的‘内在真实’具有根本性的关联。”
展期：2017年12月15日－2018年2月14日地点：草场地单行道画廊
关于手工艺与纯艺术之间界限的讨论在西方持续已久，甚至在部分地域会把其界限的划清归为持话语权者的讨论视角。我们一方面默认手工艺者所进行的后现代性思考，另一方面却坚持着艺术领域严格的等级制度。而在传统手工艺复兴的中国，手工艺领域又形成了比较单元化的主流价值观, 使得强调智性思考的“后手工艺”在此时此刻失去了双向的落脚点。此次展览由一半“当代”艺术家和一半“手工艺”艺术家的作品所组成，尝试去思考材料、功能、观念之间是不是有批判性的联系，以至于它们本身地密不可分。艺术家希望将这些当代物体同时放置在艺术空间中进行平等地的讨论，不论矛盾是被解决或是激化，都在呈现这个在中国看似沉默已久，但早已源源不断的争议，让艺术与手工艺在“当代物体”中遭遇，留给观者一个辨证的空间，去感受其内在的冲突与融合。
展期：2017年12月15日－2018年2月14日地点：草场地单行道画廊
万夏在拍摄大海时消除了叙事，他排列作品的方式——不只是对同一拍摄对象的不同照片的排列，而且还在于他在每一幅作品上打的洞所组成的线。他把照片排列起来作为正式评论，不像音乐形式，更像是一种书面语言，类似诗歌的韵文。他的图像通常与人物或外部因素相关，这一些因素在他手里组合成不同寻常的艺术作品。李赫特认为德彪西的音乐所表达的情感比看海人的实际感受更加强烈。万夏的摄影作品同样不谈个人情感，但它们确实传达了艺术家以另外一种更加庄严纯粹的观察层面看海时的感想，从而引导观众自己理解作品的意义。在2017年秋季北京展出的这一系列作品中，他在玩转地平线，或是用水平的洞加强它，或是用垂直的线背离它。该系列的时间跨度是2008年到今年，这些作品从一开始就在追求一定的美学标准，并随时间持续不断的发展，令人陶醉。
展期：2017年12月15日－2018年1月17日地点：梵几客厅国子监店
墨白给这次展览取名“蒸发”，正如她所呈现一般，清透且纯粹，很像墨白的性子，简简单单地。此外，“蒸发”还有另一层意思，她把“蒸发”归纳于“边蓝”这个系列之中，边蓝系列，画的是山，层层叠叠的山峦，日出日没的山色，时间的痕迹被藏在一笔一画之间，她喜欢蓝色，或偏紫、或偏绿，像是走了色的边边角角，所以称之“边蓝”。从“边蓝”到“蒸发”，题材依旧是与自然的审美相关。墨白的画面如同跟生活一样自然发生，常常看到什么就画什么，想到什么画什么，而画面中的暧昧和不确定的轮廓却赋予了所见神秘感，进而体现在具体的形态之中，便是水和云的样子。在工笔画的画法中，双勾填彩是较为重要的一种。用线条来归纳边界，线条中不同的质感反应着不同的对象边界。这是一种技法上的归纳，墨白这一次很想打破这种归纳方法，用颜色本身的相融来描述这种分界。在蒸发系列中，她开始抛弃画山的技法，通过多次重叠的边界和不拘的用笔去尝试实现这个想法。这些碎片式的灵感，慢慢拼凑成“蒸发”最终的样子，以诗意的质感呈现于我们面前。
“骤然日落”是安德烈·小松在北京的首次个展，在他的作品中，他常用生活物件作为比喻工具，创造出诗意的情境，引出政治上的话题。一个以太阳的历史形象出现的象征性符号，代表着无所不在、无所不能的权力。太阳”是象征理性的存在。当帝国殒落，现实的确定性变得模糊，而这种失败则可能转变为一种重新考量现状的方式。此外，他的装置在充满颠覆性的同时又具有诗意，其灵感来自于对城市中日常生活的观察。小松采取了一种大胆的、战略性的干预手法，将这些观察以视觉上简化的方式重新构造，从而获得一种充满讽刺意味的、对作品自身的破坏。他作品中的“重构”手法代表了对权力结构的反思，而这种建立在命令和强力上的权力结构，会被自身转化中的细微末节而“摧毁”。小松用来表达草根阶级的政治愿景的工具，是绘画、雕塑和装置，充满了张力和抵抗力。他的研究也令人联想到城市和身体之间的相似之处：同样短暂无常，并最终走向消逝。像个螺旋遇到物质性的困难和/或法律上的障碍。他的创作对人类循环生存的不同形式进行了叩问——人们处理城市空间的方式，以及人们对待既定权力的方式。小松在作品中强调事物瞬息万变的状态，为观众创造出体验不一样节奏和速度的可能性。他作品转化的周期，揭示了对物件的使用和磨损所体现的主观时间，这达到一种完全的失败，从而建立了一个充满紧张感的空间。
意大利艺术家乔瓦尼·欧祖拉于12月14日首次在常青画廊举办《陨落之花-窃语》系列作品个展。欧祖拉是一名跨媒介艺术家,以摄影为主要领域,同时也进行影像及雕塑装置创作。欧祖拉的作品表现着光学现象的微妙情绪与物理表征,其主要研究方向为对“无限”和 “探索”进行概念化呈现——既是地理学层面的,也是自省的。 ”他用影像捕捉动人瞬间，向人们揭示弱势儿童的社会现状，呼吁大众关注这一现实议题。而本次展览义拍所得善款已悉数捐赠于田字格公益组织发起的贫穷的地方儿童资助项目，用艺术为中国弱势儿童的健康与发展奉献一份力量。
此次展览是艺术“+”项目海外艺术考察与写生的总结与汇报。作品主要是各位学员在雅典与布拉格期间的创作结晶，它们不仅呈现了迷人的异域风情更是将文化记忆与碰撞定格在了画面之上，在这个隆冬时节为广大艺术爱好者带来了一股爱琴海温润的气息与喀尔巴阡山脉的明媚色彩！艺术“+”倡导艺术性、地域性与生活性三位一体的理念。他们与国内最高艺术学府中央美术学院建立合作机制并聘请了国内极负盛名的油画大家闫平、王克举教授作为导师；在海外严格选址，进行详细的实地考察，即便是耳熟能详的城市也要做到与众不同；对人员的遴选采取兼容并蓄、交叉互补的策略，比如捷克“+”的团员组成是他们用尽心思挑选的自不一样的行业的“艺术热爱者”，其中不仅仅包含专业画家、还包括医务工作者、科研人员、教师、金融业、IT业及自由职业者等，希望能够通过这些艺术发烧友之间的碰撞共同建构一种艺术氛围与创作的可能性。
此次展览由 4 位风格不同的青年艺术家共同完成。“凤凰传奇”如今慢慢的变成了一种标志性的文化现象，其广泛的传播性以及听众年龄层次的跨度之广让我们也可以感受到音乐人独特的可塑性，艺术家们则分别从各自不同的角度切入以自己独立的创作思考来重新诠释我们熟悉又陌生的“凤凰传奇”。凤凰传奇，以首张专辑《月亮之上》开创了“民族流行风”类型音乐先河，融合了民歌、电子、说唱，将民族唱腔与流行唱法结合到一起。凤凰传奇的音乐在当代社会的文化影响力是丰富而巨大的，因此我们说凤凰传奇是当代的，这次与艺术唱片的合作也是一种合理的必然。
12月10日，“视觉绑架”艺术展在798艺典空间开幕，展览由胡鹏飞策展、王端廷担任学术支持，共展出了17位艺术家的37件影像及绘画作品。展览策展人胡鹏飞介绍说：“与我而言，策划这次展览肯定希望给观众带来一些新鲜的视觉元素，而另一方面我则更倾向于挖掘那些经典的视觉形象。只有经典，才能真正捕获观众的心，也只有经典才会成为永恒。“视觉绑架”不会沿袭它一贯对于元素的宣扬，而是在更大的范围内、题材中、表现形式上呈现一个尽可能经典的展览，对于诸如人性、生活、社会、爱、黑暗、死亡等等那些永恒的事物的探讨中，给观众以启发、以感悟、或者仅仅是一刹那的心动，也就足够了，我相信抓住观众的眼球就是意义所在，而这种视觉上的吸引就像一次绑架，所有的作品都要让你多看两眼，流抵你的心里。
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